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Découvrez Scott Hansen, musicien, designer et artiste visuel, connu sous le nom de Tycho 05. avril 2012

Artiste multi-casquettes, Scott Hansen œuvre sans relâche pour développer une esthétique personnelle au travers de multiples supports et moyens d’expression. Il produit une musique électronique ciselée et planante en tant que Tycho pour le label Ghostly International. Il codirige le très respecté ISO50, un blog qui illustre son intérêt pour la musique, le design, le « branding » et la photographie tout en hébergeant ses propres créations d’art visuel, notamment ses photos.

Si Hansen cultive un goût nostalgique assumé en matière d’art et de musique, son approche contemporaine confère une réelle fraîcheur à tout ce qu’il entreprend. Né dans le « Sunshine State » (traduction : la Californie), Hansen déploie un style souvent qualifié de « solaire » et associé à une ambiance crépusculaire contemplative qui le tient résolument à part des productions techno survoltées et répétitives, typiquement formatées pour les clubs. Le jeune créateur est un perfectionniste qui soigne la cohérence de son travail de l’enregistrement à la production de musique, en passant par la conception artistique et visuelle de la somptueuse pochette dépliante fournie avec son dernier album Dive en version LP. Il a également imaginé un accompagnement visuel de ses prestations live, basé sur un montage de scènes aériennes, nautiques et d’aventure, ponctué d’effets vidéo et subtilement synchronisé avec ses mixes inspirés. Toujours en quête de nouvelles expérimentations, il travaille actuellement avec Charles Bergquist pour réaliser un long métrage original qu’il souhaite utiliser comme moyen d’expression plus complet des histoires que sa musique essaie de raconter.

Comment votre approche de la musique en tant que compositeur et interprète a-t-elle évolué au fil des années ? Vous semblez être resté fidèle au même son tout en laissant entrevoir une évolution lente dans la structure des morceaux.

Je pense que c’est à la fois le fruit d’un effort délibéré et d’une sorte de mutation naturelle. Bien sûr, lorsque vous apprenez et que vous pratiquez, votre production s’en ressent à un moment donné. Ce que j’ai voulu faire entre l’album précédent et le dernier, c’était de perfectionner mes compétences en tant que producteur, mais aussi de progresser en tant que compositeur et interprète, d’où la longue pause que j’ai prise. J’ai donc appris à jouer de la guitare et je me suis concentré sur cet instrument comme principal outil d’écriture pour me détacher du côté dogmatique et des schémas établis dans lesquels je m’étais enfermé avec le clavier. Si l’album précédent était une sorte de prototype de ce son, Dive en est la pleine expression et à partir de là, je prendrais peut être encore un autre tournant vers une direction différente.

Aimez-vous vous produire en live ou est-ce seulement devenu une partie incontournable de votre métier de musicien ?

Jusqu’à il y a seulement un an, j’aurais choisi la seconde réponse, mais mon point de vue a évolué depuis. Je n’aimais pas jouer seul. J’avais l’impression que je ne pourrais pas transmettre mon identité sonore et que j’étais incapable d’apporter quelque chose en plus dans le contexte des prestations live, au-delà de la simple interprétation littérale des chansons agrémentée de visuels. Mais en commençant à travailler avec d’autres musiciens, j’ai découvert que monter sur scène et jouer avec eux, au sein d’un groupe, en cohérence avec ce que chacun produisait en direct, c’était une expérience complètement différente. Et puis, en dépassant les peurs et les craintes associées à la scène, à l’exposition face au public, je me suis laissé aller et j’ai réussi à apprécier cette expérience pour ce qu’elle est. À tel point que maintenant, c’est devenu pour moi quelque chose que j’aime vraiment et profondément, tout autant que la création musicale.

Quels sont les endroits que vous avez le plus aimés lors de vos tournées ?

J’ai toujours adoré Chicago. Et New-York évidemment. Portland reste aussi un endroit magique. Mais ce sont des villes américaines et j’ai pu les visiter indépendamment de mon travail de musicien. En revanche, les premières fois où je suis allé en Europe, j’ai vécu des expériences assez profondes et ma tournée la plus récente a été la période de ma vie où j’ai passé le plus de temps dans cette région du monde. Nous sommes restés environ un mois. Lorsqu’on s’immerge dans une autre culture pendant une telle durée, c’est vraiment tout à fait autre chose. Nous nous disions sans arrêt : « Mais comment ces gens peuvent-ils savoir qui nous sommes ? » Avant cette tournée européenne, je ne savais pas à quoi m’attendre ou même si nous pourrions remplir une salle. L’accueil du public a été incroyable. J’avais parfois un peu de mal à réaliser que j’étais dans telle ville à l’autre bout du monde en train de jouer en concert… C’est impressionnant de revenir à notre raison d’être initiale en tant qu’artiste, c’est-à-dire de voir les gens vibrer sur votre musique dans un endroit que vous n’avez jamais vu auparavant.

Je sais que vous êtes un grand amateur de photographies et d’appareils photo anciens, mais apparemment, vous appréciez aussi certains outils et médias nouveaux, tels que Instagram (suivez Scott ici @ISO50).

La photo est presque un sujet douloureux pour moi désormais. Avant, c’était une partie essentielle de ma vie et je me suis un temps considéré comme un photographe à part entière. Aujourd’hui, je n’emporte même plus d’appareil photo avec moi. En partie parce que je n’ai pas le temps de m’y consacrer et aussi pour ne pas l’avoir toujours accroché autour du cou durant mes tournées. Mais bon, on dispose maintenant d’un appareil photo incroyablement puissant dans notre poche (Ndr : un Smartphone) avec tous ces outils de retouche photo au bout des doigts et on en vient à faire des photos presque malgré nous. Avec Instagram, j’aime l’idée du réseau social. Je n’utilise pas beaucoup les outils de retouche. Je trouve que c’est plus intéressant comme une sorte de Twitter en images. En même temps, chaque fois que je prends une photo que je trouve bonne, cela m’inspire un sentiment de frustration. Je me dis : « Si je l’avais faite au moyen d’un vrai appareil photo, je pourrais l’imprimer et elle serait géniale ». Ou bien quand je sors le soir et que l’iPhone est inutilisable pour la photo, je regrette toujours de ne pas avoir un vrai appareil avec moi.

Pourtant, certaines photos prises avec votre iPhone, comme celle sur la plage de Barcelone, pourraient être des affiches.

Oui, c’était une journée fantastique, mais c’est bizarre car la plage n’était pas vraiment comme sur la photo. C’est ce qui est beau avec la photo, justement. Vous pouvez idéaliser ces scènes qui n’ont jamais vraiment ressemblé à ce que voyez sur l’image, ou alors uniquement dans votre esprit ou dans votre manière d’appréhender la réalité. C’est ce qui est intéressant dans la photographie, le fait que vous ayez saisi un élément du réel, mais que vous le regardiez à travers le prisme de votre regard et de votre perception à un instant donné.

Est-ce que cela vous arrive, en dehors du sommeil, de déconnecter complètement (le vide complet, rien qui rentre, rien qui sort) ?

L’année qui a précédé la création de cet album, j’ai connu deux années durant lesquelles j’ai perdu le cap et le sens de ma vie en général. Je ne savais plus si je voulais encore faire de la musique et je n’appréciais plus le design pour ce qu’il est. Quand je m’y suis remis, j’ai découvert avec bonheur que mon goût pour ces choses était intact et depuis, je fonce car j’ai l’impression d’avoir retrouvé mon inspiration. J’ai réalisé clairement ce que je voulais exprimer, ce qui est une source d’enthousiasme. Je ne me suis donc pas beaucoup arrêté depuis, mais je crois que c’est mon mode de fonctionnement habituel. Je ne me sens bien que lorsque j’ai créé ou digéré quelque chose. Quand j’enregistre de la musique, je fais en quelque sorte le vide dans ma tête de manière à pouvoir créer presque juste pour me faire plaisir. C’est comme ça que j’ai toujours aimé créer parce que j’arrive à fabriquer littéralement le morceau que je voudrais entendre.

Vous publiez beaucoup d’affiches publicitaires anciennes sur le blog ISO50. Qu’est-ce qui vous attire dans ces images et qu’est-ce qui, selon vous, manque aujourd’hui aux marques sur le plan esthétique ?

En fait, j’ai beaucoup réfléchi à cela et je n’ai pas encore vraiment mis le doigt dessus. Mais je reviens toujours à l’idée qu’avec la généralisation des logiciels d’édition, n’importe qui peut, à moindre frais, bricoler des éléments d’identité visuelle et graphique pour une marque. Auparavant, le coffee-shop du coin de la rue devait faire appel à un vrai artiste, un artisan qui toute sa vie, de ses propres mains, fabriquait des enseignes et les peignait. On le payait une certaine somme pour créer ces éléments qu’on conservait pour toujours. Aujourd’hui, on va plutôt créer un logo pour une année, et puis un autre pour l’année suivante. On s’adresse donc à un fournisseur d’enseignes, qui va également se charger de concevoir le graphisme pour trois fois rien. On n’a donc plus qu’un seul prestataire qui fait tout désormais. Je pense que l’aspect « jetable » du design explique en partie cette évolution, mais je crois aussi que les publicitaires n’essaient pas de vendre du jus d’orange aux designers ou aux artistes. Ils essaient de vendre leurs produits aux masses mondiales, ce qui les conduit à faire peu de cas de l’esthétique puisqu’il suffit d’appuyer sur les bons boutons. Ils sont juste des observateurs malins de la nature humaine et savent comment manipuler les gens. Nous, en tant qu’artistes, on ne peut que considérer cela comme abominablement laid, mais au fond, la seule chose qui compte pour les publicitaires, c’est de vendre du jus d’orange.